Critique - Inherent Vice, ou comment être sous acide sans en consommer

Film de Paul Thomas Anderson, avec entre autres Joaquim Phoenix, Josh Brolin, Owen Wilson, Katherine Waterson, Reese Witherspoon, Inherent Vice met en scène Doc Sportello, détective privé, entraîné dans une histoire louche et droguée lorsque son ex-femme Shasta Fay Hepworth disparaît après lui avoir confié qu’elle était tombée amoureuse d’un agent immobilier peu recommandable, Michael Wolfmann.

Lorsque que j’ai entendu parler de Inherent Vice, je me suis dit que ça allait encore être un de ces films rétro au possible, critique d’une société qui n’est plus, et peut être traitant d’un thème un peu dépassé, avec pour seul but de proposer au spectateur une vision de cette fameuse époque « sex, drugs and rock ‘n roll ». En réalité je dois dire que j’ai été assez agréablement surprise, même si c’est un film sur lequel j’ai encore du mal à me forger un avis.

La première chose dont je voudrais parler est l’histoire : certes elle colle bien à l’univers construit par le film, et permet beaucoup de scènes intéressantes, mais elle est assez difficile à suivre (je dois avouer que j’étais perdue à certains moments). Les personnages se multiplient, les lieux aussi,  et avec les intrigues, et l’histoire s’éparpille, on ne sait plus vraiment sur quoi on doit se concentrer. Chaque personnage a sa propre intrigue, ce qui rend difficile la compréhension de l’intrigue principale. De même, à la fin film tout n’est pas résolu. Je suppose que c’est voulu par le réalisateur, dans le but de montrer que ce n’est finalement pas l’histoire qui est importante, mais la façon dont Doc la traverse et mène son enquête, une enquête qui au final n’a pas vraiment d’issue. Doc ne cherche pas vraiment à résoudre l’affaire avec sérieux (comme le prouvent les notes qu’il prend dans son carnet « Quelque chose en Espagnol » ou « paranoïaque, ou encore les moments où il finit par se droguer avec la personne qu’il interroge et quitte les lieux sans les réponses qu’il est venu chercher), et finalement, ce qu’il cherchait (son ex-femme Shasta) vient à lui sans efforts, et pas du tout grâce à ce qu’il a fait. On peut voir ça comme quelque chose d’intéressant, mais personnellement je vois plutôt ça comme une façon un peu trop facile de se débarrasser des questions encore en suspend, et surtout de jeter au feu tout ce que Doc a pu faire pendant le film. A beaucoup de moments on ne sait pas si on se trouve dans une illusion causée par la drogue ou dans la réalité, ce qui est un moyen de faire partager la paranoïa du personnage au spectateur. Ce film est avant tout esthétique (j’y reviendrai) et délaisse son histoire, et c’est intéressant car cela accentue la vanité de la vie à cette époque, la drogue qui prend le dessus, et donne du relief à ce personnage de détective privé dont on ne sait pas quel sont les réelles intentions mais dont on partage en même temps la vision. Mais l’histoire est beaucoup trop dense et complexe, il y a énormément de personnages, d’intrigues, de lieux, de problèmes, et la résolution est beaucoup trop simple. On peut voir ça encore une fois comme une manière de semer le doute et causer une perte de repère chez le spectateur, mais je trouve que c’est finalement assez mal mené, et le film se perd un peu dans des longueurs inutiles, et j’avoue avoir trouvé le temps long à certains moments.

Ce que j’ai le plus apprécié, au-delà de l’histoire, est l’esthétique du film. Ca m’a rappelé l’univers des romans de Bret Easton Ellis (tant par les thèmes traités que par les images proposées). Le film est plein de références artistiques (au cinéma, à la peinture...) L’image s’adapte aux personnages, sombre quand on suit Doc chez lui, très claire et nette quand il parle à la police, avec des couleurs très denses et profondes la nuit, plus pâles la journée. Cela sert le propos du film, la critique de la société clivée des années 1970, de l’ « Etat-policier » victime de la corruption, de cette génération droguée et libérée, et surtout cela permet de construire une atmosphère très particulière et intense. Les mouvements de caméra tantôt fluides, tantôt moins linéaires, permettent de transmettre la paranoïa du personnage, l’idée que tout est caché et tout est complot. De même la musique, très adaptée à l’époque, permet de narrativiser le film et lui donner une certaine homogénéité. L’univers et l’atmosphère sont très précisément travaillés : c’est une manière de partager le trip sous acide de Doc et de ses comparses, on passe le film comme embués dans un brouillard drogué, et c’est très positif car cela nous permet d’accepter un peu mieux l’histoire mal menée, puisque le personnage n’a pas l’esprit clair. Ce qui me pousse à dire que l’on adopte la subjectivité du personnage de Doc, ce qui permet d’expliquer (peut être un peu facilement) beaucoup d’éléments de l’histoire.

Ce qui m’amène aux personnages : je ne vais pas parler de chacun d’entre eux, ils sont nombreux (et certains n’apportent vraiment rien à l’histoire), mais je vais me concentrer sur ceux qui sont les plus intéressants (et donc les plus proches de Doc puisqu’on adopte son point de vue sur l’histoire). Doc est un personnage très univalent (il est assez lisible, pas vraiment mystérieux), même si on peut s’interroger sur ce qui motive ses actions et sur son but réel. Ce rôle me confirme aussi le talent de Joaquim Phoenix (qui m’avait bluffée dans Her), et j’ai pris plaisir à le voir dans ce film. Le personnage de Doc a aussi un lien intéressant avec les personnages féminins : avec Shasta tout d’abord, son ex-femme, qui est le point de départ, le but et aussi le point final de l’histoire (mais qui m’apparaît un peu comme un personnage vaniteux, peut être un peu vide), mais aussi avec l’énigmatique Sortilège. 

Sortilège (appelée Lège par Doc pendant tout le film, son nom n’est révélé qu’à la fin) est pour moi l’énigme du film, et j’ai une petite théorie la concernant : pour moi elle est la conscience de Doc, elle sert aussi de narrateur (ce qui est aussi un procédé un peu facile pour situer l’histoire), elle le conseille, mais elle ne parle ni ne regarde les autres personnages, elle est comme invisible, personne ne lui parle ni ne semble la remarquer, elle est présente sur un plan, et disparaît mystérieusement sur le suivant, et pourtant elle n’est jamais loin et semble tout connaître de Doc, sans qu’elle soit réellement incluse dans l’histoire. Mais ce n’est que ma compréhension du film, et je pense que ce personnage est volontairement ouvert pour laisser place à l’imagination du spectateur.

Pour conclure je dirais que ce film est assez bon, même si l’histoire mériterait d’être arrangée, il y a beaucoup d’humour parsemé dans une noirceur évidente, et les personnages sont intéressants pour la plupart (bien que trop nombreux). Mais surtout c’est un film esthétique, qui offre au spectateur une expérience sous acide sans risque pour la santé. Malgré ce bilan en demi-teinte, si ce genre de film vous plaît n’hésitez surtout pas !

Critique - Birdman - Vous avez dit superhéros ?

J'ai regardé la cérémonie des Oscars 2015 en entier, j'ai vu Birdman ramasser les grosses récompenses, et j'ai patiemment attendu que le film sorte chez nous (en France, toujours en retard). Laissez moi vous dire que ça valait le coup. Birdman est, plus qu'un film, un tour de force magnifique.

 

Birdman (ou la surprenante vertu de l'ignorance) est un film d'Alejandro González Iñárritu, qui raconte l'histoire de Riggan Thomson (Michael Keaton), acteur connu pour son rôle de superhéros Birdman, qui tente sa chance à Broadway. Epaulé par son avocat et ami Brandon (Zach Galifianakis), il doit affronter sa famille (sa fille Sam, jouée par Emma Stone, son ex-femme jouée par Amy Ryan), ses acteurs (Laura, jouée par Andrea Riseborough, Lesley, jouée par Naomi Watts, et surtout Mike Shiner, joué par Edward Norton), mais aussi son public, habitué à le voir dans des grosses productions hollywoodiennes et qu'il aura du mal à convaincre de son talent scénique. Autant vous dire qu'avec un casting de cette envergure, Iñárritu aurait pu me raconter n'importe quoi que ça serait passé comme une lettre à la poste. 

Comme d'habitude, l'histoire m'importe peu (je dirais juste qu'elle est très originale et nous touche tous d'une certaine manière, mais j'y reviendrai). Là où réside le tour de force, c'est dans l'esthétique et la réalisation : le film est un plan séquence. Oui un seul. Un seul plan, sans montage ou presque, qui suit les personnages et l'action. Avec fluidité, la caméra passe d'un personnage à l'autre, d'une pièce à l'autre, passe en caméra subjective (on prend la place d'un personnage qui marche) puis change de point de vue, passe dans un couloir et fait une ellipse (on change de temporalité), mais elle ne semble jamais s'arrêter de tourner. Le film met le spectateur face à son statut de voyeur, le confronte à son rôle cinématographique de personnage derrière le quatrième mur, qui veut tout voir, tout savoir, tout comprendre, même si tout lui échappe finalement. Avec ses gros plans, ses regards caméra furtifs, Iñárritu rend visible le spectateur qui n'oublie jamais sa condition. Le plan séquence est très intense à suivre, surtout pendant 2h, il ne faut jamais détourner l'attention, et ainsi l'émotion du spectateur est décuplée, et se calque sur les émotions et la tension de Thomson, qui joue toute sa vie et sa carrière avec cette pièce de théâtre. 

Le film est aussi une intéressante réflexion sur le monde d'Hollywood face au monde de Broadway (du théâtre donc face au cinéma) : le rôle de Birdman colle à la peau de Thomson, il est partie intégrante de façon de vivre, de sa façon de faire. Ce qui m'amène à un autre point essentiel : la disparition de la limite entre univers intérieur et univers extérieur. Le film se construit dramatiquement jusqu'à atteindre son climax, moment où le plan séquence est brutalement coupé, et le rythme s'accélère jusqu'à ce moment là. Par la lumière, la musique épurée (souvent une simple batterie), la révélation de procédés cinématographiques, la voix off ou encore l'intervention d'éléments surnaturels (je ne vais pas spoiler, si vous avez vu le film vous comprendrez) le spectateur entre de plein pied dans la tête de Thomson, en sort parfois pour s'intéresser à d'autres personnages, mais y revient toujours de façon subtil, toujours avec ses mouvements de caméra très fluides. Il n'y a pas vraiment de confusion entre fiction et réalité, mais plutôt un subtil mélange d'univers contradictoires, pour mettre l'emphase sur le désespoir et la volonté d'un homme. Iñárritu use de métaphores tout au long du film pour tenter de faire comprendre le destin de cet homme usé par la vie et par son métier, qui empiète sur sa propre vie, sa personnalité.

Le film est aussi très ironique, plein d'humour noir, qui nous pousse à réfléchir tout en nous distrayant. On sort de la salle un peu retournés, tant par la fin restée ouverte que par l'intensité des procédés utilisés. On prend conscience aussi du travail monumental des acteurs, qui ne lâchent jamais le rythme et sont toujours à la hauteur de ce que leur rôle exige, et nous livrent des personnages qui ont une profondeur, un ancrage dans la réalité important tout en faisant preuve d'une certaine ambiguité et en s'inscrivant eux aussi dans un univers intérieur très élaboré, allant jusqu'au titre et au sous-titre (que l'on comprend avec l'histoire, je vous laisse le découvrir).

Je suis très agréablement surprise par le travail de Iñárritu, qui m'avait bluffée avec 21 grammes mais plus vraiment impressionnée depuis. Il nous livre un chef d'oeuvre esthétique, et réalise un véritable tour de force. Le superhéros dans l'histoire, c'est lui. 

Je sais que vous vous demandez "est-ce qu'il mérite tout ces Oscars ? Et Keaton alors il méritait pas l'Oscar ?". Je ne sais pas si Birdman méritait l'Oscar du meilleur film, il y avait quand même du lourd en face de lui, mais oui il méritait la meilleure réalisation, le meilleur second rôle, amplement. Quand au meilleur acteur, j'ai toujours été convaincue qu'il était beaucoup plus difficile de jouer le rôle d'une personne réelle, comme Eddie Redmayne l'a fait dans Une merveilleuse histoire du temps, et pour cette raison principalement je ne suis pas particulièrement persuadée que Keaton le méritait plus (après ça n'est que mon humble avis). 

Je vous conseille fortement d'aller voir ce film, il vaut le détour, et forgez-vous votre propre avis sur la question ! 

Sur ce, bonne soirée et bon film

N.B.